KEILRAHMEN SELBST HERSTELLEN

Sicherlich fragt ihr euch, warum man sich Keilrahmen selber machen sollte. Stimmt! Auf den ersten Blick. Jedoch sprechen inzwischen einige Gründe dafür:

1. Es ist nahezu jedes Format möglich, im Gegensatz zu handelsüblichen Formaten.

2. Man kann die Art der Keilrahmen – Bespannung selbst bestimmen, je nach gewünschtem Oberflächeneffekt (Baumwolle, grobe Leinwand, Sackleinen etc). Es gibt im Handel ganze Rollen in verschiedenen Qualitäten, aber auch Teilrollen oder kleinere Abschnitte, so dass jeder nach seinem Bedarf etwas passendes finden sollte. Grundierte Maltuche ersparen das aufwändige eigene Leimen und Grundieren.

3. Im Handel bekommt man sehr hochwertige, vorgefertigte Leisten, die eine ausgezeichnete Stabilität besitzen und den Stoff gut halten. So entsteht in eigener Herstellung ein Keilrahmen höchster Qualität, für die man im Handel schon richtig Geld bezahlen muss.

4. Somit folgt aus (3.), dass man Geld sparen kann – echt nicht zu verachten.

5. Der Aufwand an Werkzeugen ist gering. Die meisten sind ohnehin in einem Durchschnittshaushalt vorhanden.

WAS BRAUCHEN WIR FÜR EIGENE KEILRAHMEN?

– 2 x 2 Keilrahmenleisten
je nach gewünschter Größe (z.B. 2 Leisten á 60 cm und zwei Leisten á 100 cm), bei Formaten ab 50 x 60 cm sollte auch noch ein Mittelstück verwendet werden.

– 1 Stück Maltuch
ca. rundherum etwa 10 cm größer als das gewünschte Format (bei einer Leistenhöhe von 2 cm).

– Werkzeuge
Hammer, besser noch Holzhammer, Metallwinkel, Schere, Bleistift, Tacker, breiter Pinsel

Das Material

Das Material

WIE WERDEN KEILRAHMEN GEMACHT?

Legt euch zunächst das Material zurecht, am besten auf einer Decke auf einen festen Untergrund, und dann die Holzleisten mit Nut und Feder locker zusammenstecken. bei größeren Formaten nicht das Mittelstück vergessen. Nach und nach die Leisten fester zusammen bringen, bis die Lücke zwischen den Leisten geschlossen ist. Ggf. vorsichtig einen Hammer verwenden und die Rechtwinkligkeit  immer mal wieder mit dem Metallwinkel überprüfen:

Nut und Feder zusammenstecken

Nut und Feder zusammenstecken

fertig zusammen gesteckter Keilrahmen

fertig zusammen gesteckter Keilrahmen

Danach legt ihr den Rahmen mit dem gewölbten Rand nach unten auf die Rückseite der grob zugeschnittenen Leinwand. Das Ganze so ausrichten, dass der Keilrahmen mittig aufliegt. Wenn ihr euch bei den ersten Malen noch nicht sicher seid, könnt ihr euch mit einem Bleistift Markierungen setzen. Wichtig ist eine Markierung der Mitten der jeweiligen Leisten.

Jetzt folgt der nächste Schritt:  Legt an der längeren Seite des Keilrahmens den Stoff straff über die Leiste und tackert ihn mit einer ersten Krampe  in Höhe der Markierung fest. Dann auf der gegenüberliegenden Seite ebenso verfahren. Weiter auf den Mitten der Schmalseiten eine erste Tackerung setzen. Von der Mitte ausgehend  zu  den Seiten weiter tackern, dabei die Leinwand straff, aber nicht mit Gewalt über die Kanten auf die Leisten ziehen. Nach meiner Erfahrung geht das auch gut ohne Tuchzange. Das Ergebnis sollte so aussehen:

Das Maltuch ist auf den Leisten fixiert

Das Maltuch ist auf den Leisten fixiert

So sehen die Ecken aus

So sehen die Ecken aus

 

Sicherlich kommt jetzt das Schwierigste – das Umlegen der Ecken zu einem schönen, sauberen Rand. Dazu zunächst einen glatten, diagonalen Falz bilden (in einer Linie zu der darunter liegenden Fuge von Nut und Feder) und dann zu einer Seite der Leiste umschlagen:

 

Diagonaler Falz in Fiugenrichtung

Diagonaler Falz in Fugenrichtung

Umgeschlagene Ecke

Umgeschlagene Ecke

Nun nur noch das übrige Stoffstück sauber auf die Kante legen und dort festtackern. Aufpassen, das Ihr nicht die Fuge zutackert! Diese Fuge ist nötig, damit der Keilrahmen “arbeiten” und Spannungsunterschiede ausgleichen kann!!!

Kleiner Tipp: überlegt euch vorher, ob das geplante Bild im Hoch- oder im Querformat hängen soll. Dann könnt ihr die Ecken so umschlagen, dass an den sichtbaren Seiten des Keilrahmens (links und rechts) keine Falze zu sehen sind.  Vergesst nicht, dass die Ecken einer Seite (oben und unten) in die  gleiche Richtung  umgeschlagen sein müssen – sonst sieht es komisch aus.. Das ist mir auch schon passiert. Wenn es dazu kommt – kein Problem, man kann die Krampen  entfernen und die Ecke neu ausrichten.

Wenn alles geklappt hat, sollte der fertige Keilrahmen  so aussehen:

 

Rückseite

Rückseite

Vorderseite

Vorderseite

Mittlerweile kann sich das Ergebnis schon ganz gut sehen lassen, finde ich. Jetzt stellt sich noch die Kardinalfrage nach den kleinen Holzkeilen, die man immer sieht und die bei den “Keilrahmen von der Stange” in kleinen Tüten mit dabei sind.

TIPP AM RANDE – HOLZKEILE ODER “WASSERKUR” ???

Nach meiner Erfahrung sind die Holzkeile meist nicht notwendig. Die Keile werden, je zwei gegenüber in die kleinen ausgefrästen Schlitze in den Ecken der Leistenverbindung gesteckt und bei Bedarf mit einem kleinen Hammer tiefer in die Schlitze geklopft. Dadurch werden die Leisten an ihrer Steckverbindung auseinandergetrieben und der Stoff spannt sich.

Diese Methode ist recht rabiat und bei dünnen Maltüchern besteht die Gefahr, dass der Stoff reißt.

Ich bevorzuge den Einsatz von Wasser. Dazu verwende ich einen breiten Flachpinsel, mit dem ich die Rückseite der Leinwand großzügig und recht nass einpinsele. Auch unter die Leisten und in die Ecken muss Wasser gelangen können. Alternativ kann das Ganze auch mit einem Wassersprüher gemacht werden- Hauptsache, die Leinwand ist gut durchtränkt. Danach den Keilrahmen waagerecht trocknen lassen, ggf. die Ecken beschweren, damit sich nichts verziehen kann.

 

Wässern der Leinwand-Rückseite

Wässern der Leinwand-Rückseite

Wässern der Leinwand-Rückseite

Wässern der Leinwand-Rückseite

Nach dem Trocknen ist der Keilrahmen glatt und gut gespannt. Diesen Vorgang kann man übrigens auch an fertigen Bildern wiederholen, falls sie sich während des Hängens verzogen haben.

Auch das Umspannen verzogener Bilder auf neue Keilrahmen oder das Neubespannen alter Keilrahmen ist auf diese Weise möglich – ihr seht also, es hat schon Vorteile, das selbst mal auszuprobieren.

Versucht es einfach mal an einem kleinen Format oder einem ausrangierten alten Keilrahmen.

Viel Spaß!

P.S.: Eine Malschülerin hat einen alten Keilrahmen mit  reliefartig strukturierten Kleiderstoff bespannt. Natürlich musste sie dessen Oberfläche noch mit Acrylbinder wasserfest machen und danach mehrfach mit Gesso grundieren. Aber die erhabenen Blumenranken der Stofftstruktur boten einen ganz interessanten Untergrund für ein Acrylbild…..

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Ich werde oft gefragt wie es mir gelingt so naturalistische Zeichnungen oder Gemälde auszuarbeiten:

"Spiegelungen" - Acryl auf Leinwand, 80 x 100cm, (c) Cordula Kerlikowski

„Spiegelungen“ – Acryl auf Leinwand, 80 x 100cm, (c) Cordula Kerlikowski

"Gelbbrust-Ara" Acrylmalerei, 80 x 80 cm (c) von Cordula Kerlikowski

„Gelbbrust-Ara“ Acrylmalerei, 80 x 80 cm (c) von Cordula Kerlikowski

In jeder Technik geht es dabei um das Erkennen der wesentlichen Formen, Linien und Farben, um Tonwerte und Abstufungen:

"Walnüsse" - 24,5 x 24,5cm, Aquarell auf Bütten, (c) Cordula Kerlikowski

„Walnüsse“ – 24,5 x 24,5cm, Aquarell auf Bütten, (c) Cordula Kerlikowski

"Zwei Birnen" - Aquarell, 16 x 16cm, (c) Cordula Kerlikowski

„Zwei Birnen“ – Aquarell, 16 x 16cm, (c) Cordula Kerlikowski

In der Bleistift- oder Tuschezeichnung kommt es auf die richtige Abstufung der Tonwerte an:

"Ginkgo-Blätter", Bleistiftzeichnung auf Skizzenpapier, (c) Cordula Kerlikowski

„Ginkgo-Blätter“, Bleistiftzeichnung auf Skizzenpapier, (c) Cordula Kerlikowski

"Lilie" - Bleistiftzeichnung 1996, (c) by Cordula Kerlikowski

„Lilie“ – Bleistiftzeichnung 1996, (c) by Cordula Kerlikowski

In der Farbstiftzeichnung geht es sowohl um Tonwertabstufung als auch um die richtigen, aber wenigen Farben:

"Koala", Farbstiftzeichnung auf Pastellpapier, 30x40cm, (c) by Cordula Kerlikowski

„Koala“, Farbstiftzeichnung auf Pastellpapier, 30x40cm, (c) by Cordula Kerlikowski

In jeder dieser Arbeiten ist es in erster Linie  das SEHEN. Genau hinschauen, was das Objekt aussagt…

Warum mir das in dieser Weise gelingt ist schwer zu sagen. Ich vermute, dass ich eine Art von fotografischem Gedächtnis oder des fotografischen Sehens habe. Beispielsweise genügt es, eine Wohnung oder einen (begrenzten) Ort einmal zu sehen und ich kann ihn noch viele Jahre später bis ins Detail beschreiben. Möglicherweise ist das bei meinen Arbeiten hilfreich…
Aber trotzdem ist es für Andere  möglich zu ähnlichen Ergebnissen zu kommen, wenn er/sie das SEHEN trainiert und vor allem immer wieder übt.

Am besten ist es am Original zu arbeiten: man kann es von allen Seiten betrachten, Licht- und Schattenbereiche erkunden, Blüten und Blätter befühlen usw. Das hilft sehr bei der realen Erfassung der Details. Manchmal geht das nicht. Entweder es ist Winter und ich will ein Blumenbild arbeiten, oder ich war einfach noch nicht dort, wo es mein angestrebtes Objekt gibt. Im Falle des Koala musste ich auf Fotos einer Kollegin zurückgreifen. Und einen Porsche fahre ich eh nicht!

Für Auftragsarbeiten oder Zeichnungen/Malereien im Winter fertige ich mir einen großen Fundus von Fotos, die das Objekt aus allen möglichen Richtungen darstellen, Details darstellen oder flüchtige Eindrücke einfangen. Damit geht schon einiges…

Nach Jahren ist die notwendige Routine und eine Menge Erfahrung vorhanden, die immer schwierigere Objekte gelingen lässt. Der Weg ist das Ziel…. Und ich zeichne schon seit meiner Kindheit…

Zweifel? In meinen Kursen kann man es erlernen… in angemessenem Tempo …

Heute war ich im Künstlerbedarf, um neue Zeichenfedern zu kaufen. Mein Bestand an Federn, insbesondere an Zeichenfedern, hatte sich abgearbeitet und die letzten beiden Zeichnungen machten schon Mühe, weil die stumpfe Feder nicht mehr gut über das Papier zog und zudem die Tinte nicht mehr richtig annehmen wollte.

Hier sind die „Lebensphasen“ meiner Zeichenfedern gut zu sehen:

Die Lebensphasen meiner Zeichenfedern, Foto (c) Cordula Kerlikowski

Die Lebensphasen meiner Zeichenfedern, Foto (c) Cordula Kerlikowski

Bei mir müssen die Federn funktionieren, sie haben es nicht leicht mit mir: sie verbleiben immer in ihrem Federhalter, werden während des Zeichnens und nach Beendigung der Arbeit abgewischt, aber nie besonders geputzt. Nach und nach bilden sie mit dem Federhalter eine symbiotische Verbindung – beide altern im gleichen Takt und sind dann auch zeitgleich am Ende…

Das hier ist eine Feder, die ich mir aus der Toskana mitgebracht habe. Sie ist edel und ich benutze sie nur zum Schreiben bzw. für ganz „brave“ Feinarbeiten. Es täte mir unendlich leid, dieses schöne Stück zu verlieren:

Schreibfedern - Foto (c) by Cordula Kerlikowski

Schreibfedern – Foto (c) by Cordula Kerlikowski

Diese Feder hat mir auch schon als Fotoobjekt gedient und die Aufnahmen sind in Stockagenturen als Download verfügbar:

Schreibfeder auf altem Brief

Für den alltäglichen Gebrauch benutze ich Schreib- bzw. Zeichenfedern, wobei die größere mehr Tinte aufnimmt und stärkere Linien zulässt, die schmalere ist für Feinarbeiten gut geeignet:

Zeichenfedern - Foto (c) by Cordula Kerlikowski

Zeichenfedern – Foto (c) by Cordula Kerlikowski

Diese sind ganz neu und ungebraucht. Je nach Hersteller muss man die Stahlfedern einmal erhitzen oder kann sie gleich verwenden…

Auch mit anderen Zeichenfedern ist gut arbeiten:

Bambusfeder, Zugfeder, Glasfeder - Fot (c) by Cordula Kerlikowski

Bambusfeder, Zugfeder, Glasfeder – Fot (c) by Cordula Kerlikowski

Die Bambusfeder gibt unregelmäßig Tinte ab, man kann keine glatten Linien ziehen und der Strich ist immer unregelmäßig. Früher habe ich diese Feder gehasst, da ich noch zu pingelig und detailversessen gezeichnet habe. Heute schätze ich sie vor allem für das Arbeiten in Mischtechniken.

Die Zugfeder wird eher im Technischen Zeichnen oder in der Kartografie verwendet. Sie macht sehr gleichmäßige Linien, deren Stärke man mittels des kleinen Rädchens an der Seite regeln kann. Das muss man üben – aber sie hat durchaus ihre Vorteile, zumal sie viel Tinte aufnehmen kann.

Die Glasfeder ist etwas ganz besonderes. Sie zieht eine sehr gleichmäßige Linie und nimmt viel Tinte auf, so dass man lange zeichnen kann ohne „nachzutanken“. Spontane Schwingungen durch Variation des Drucks auf die Federspitze sollte man allerdings tunlichst vermeiden – die Feder könnte zerbrechen. Sie hält aber trotz allem eine Menge aus. Glasfedern sind seit dem 18. Jh. gebräuchlich, man kann sie auch nachschärfen. Also ein Werkzeug (fast) für ein ganzes Künstlerleben.

Weiterhin gibt es ein paar Exoten, mit denen man auch ganz gut zeichnen kann: Stäbchen vom China-Imbiss, kleine Zweige, Schilfrohr, Zahnstocher… es gibt kaum Grenzen des möglichen…

Aber wie auch immer – irgendwann sind die Federn am Ende ihrer Kräfte angelangt: stumpf, vom Acrylat oder dem Schellack in der Tusche verklebt, die Federhalter verlieren Teile der Lackierung, kurz und gut: sie müssen ersetzt werden:

Verbrauchte Zeichenfedern - Foto (c) by Cordula Kerlikowski

Verbrauchte Zeichenfedern – Foto (c) by Cordula Kerlikowski

Man sieht es ihnen an, sie sind am Ende ihrer Laufbahn, haben mich aber immerhin einige Jahre begleitet. Da so eine Feder inkl. Federhalter nur ca. 1 € kostet, lohnt eine intensive Pflege in der Regel nicht. Dazu bin ich, ehrlich gesagt, auch zu bequem…

Nun also wieder neue, spitze, scharfe Federn für neue Zeichnungen – morgen gehts los!!!

Ich werde häufig gefragt, warum Büttenpapiere so teuer sind bzw. was den Unterschied zum Aquarellkarton, auch Akademiepapiere genannt, ausmacht.

Nun, zum einen sind die Herstellungsverfahren unterschiedlich. In meinem Beitrag über den Besuch bei der Firma Hahnemühle habe ich dazu schon einiges gesagt, hier noch einmal eine Zusammenfassung:

Büttenpapiere werden auf einem sog. Rundsieb hergestellt:

Die Rundsiebmaschine, Foto von Susanne Haun

Die Rundsiebmaschine bei der Hahnemühle FineArt GmbH, Foto von Susanne Haun

In der Bütte dreht sich eine Siebrolle langsam durch den Papierbrei und die kleinen Partikel legen sich kreuz und quer auf das Sieb. Das Wasser tropft ab und der nasse Bogen wird über ein Rollen- und Walzensystem vom Rundsieb abgenommen und gepresst und getrocknet.

Da der Prozess aufwändig ist, werden hier vergleichsweise geringe Papiermengen produziert. Allerdings entstehen so auch  das Wasserzeichen und durch das Ablaufen des Wassers der typische Büttenrand. An den im Einzelhandel zu kaufenden Einzelbögen ist das sehr gut zu sehen. Kauft man die Büttenpapiere als Block, sind sie natürlich abgeschnitten.

Büttenpapiere gibt es in vielen verschiedenen Gewichten/m², Grammaturen und Größen. Sie zeichnen sich in jedem Falle durch ein hervorragendes Fließverhalten der Aquarellfarben aus. Durch die völlig diffuse Ausrichtung des Papierbreies auf dem Rundsieb haben die Büttenpapiere keine bevorzugte Fließrichtung und die Aquarellfarbe fließt gleichmäßig in alle Richtungen:

Fließverhalten von Aquarellfarbe auf Büttenpapier, (c) Cordula Kerlikowski

Fließverhalten von Aquarellfarbe auf Büttenpapier, (c) Cordula Kerlikowski

Ein Tropfen Aquarellfarbe, senkrecht auf das Büttenpapier aufgebracht, verteilt sich fast kreisrund auf der Fläche.

Aquarellkarton entsteht auf der Langsiebmaschine:

Langsiebmaschine, Foto von Susanne Haun

Hahnemühle FineArt GmbH, Langsiebmaschine, Foto von Susanne Haun

Hier wird der Papierbrei gleichmäßig und schnell aufgebracht. Dadurch kann der Prozess fortlaufend schneller vonstatten gehen und die Papierpartikel legen sich bevorzugt in der Laufrichtung des Bandes und der Spritzdüsen auf das Band. Der weitere Press- und Trocknungsverlauf unterscheidet sich dann nicht von dem der Büttenherstellung, jedoch entsteht in der gleichen Zeit so das Mehrfache an Aquarellpapier. Einen Büttenrand gibt es also logischerweise auch nicht.

Alles zusammen erklärt nun auch den Preisunterschied zwischen beiden Papierarten, oder?

Hier ist die leicht längliche Ausrichtung des Farbtropfens gut zu erkennen:

Ausrichtung der Aquarellfarbe auf Aquarellkarton, (c) Cordula Kerlikowski

Ausrichtung der Aquarellfarbe auf Aquarellkarton, (c) Cordula Kerlikowski

Eine ausschließliche Orientierung auf das eine oder andere Papier ist nicht zwingend. Zwischen den verschiedenen Sorten gibt es eine unglaubliche Bandbreite an Möglichkeiten. Man muss es halt ausprobieren. Jeder Aquarellist wird andere Lieblingspapiere haben. Im Handel kann man Probeblöcke mit einer Auswahl an gängigen Papieren erwerben. Fragen Sie beim Händler auch ruhig einmal nach Probeblättern!

Noch ein Hinweis: auch wenn das Fließverhalten leicht unterschiedlich ist, wird sich das bei der Aquarellmalerei nur selten negativ bemerkbar machen, es sei denn, Sie wollen wirklich kreisrunde Objekte nass in nass ausarbeiten. Letzten Endes entscheidet immer das handwerkliche Können des Künstlers/der Künstlerin.

Hier zwei Bildbeispiele:

Das fertige Bild (c) von Cordula Kerlikowski

Hahnemühle Aquarell Bütten 300g/m²,  (c) von Cordula Kerlikowski

"Tränendes Herz" - ca.20 x 20 cm, Tuschezeichnung auf Aquarellpapier, (c) Cordula Kerlikowski

Hahnemühle Aquarell Anniversary Edition, 425g/m², (c) Cordula Kerlikowski

Diese  beiden Papiere gehören zu meinen Lieblingen, die ich sehr häufig verwende. Sie entsprechen meiner Malweise am meisten. Ich benutze jedoch auch etliche andere Sorten – es kommt immer auf den Zweck an…

Also – probieren sie sich und die Papiere aus! Viel Spaß dabei!

Kaum eine Pflanze wurde in der Geschichte der Malerei so oft abgebildet wie die Lilie:

"Lilie" - Farbstiftzeichnung auf Zeichenkarton, 20 x 30 cm, (c) by Cordula Kerlikowski

„Lilie“ – Farbstiftzeichnung auf Zeichenkarton, 20 x 30 cm, (c) by Cordula Kerlikowski

In der Kunst wird die Lilie als Symbol der Jungfräulichkeit verwendet. Sie verkörpert die Unschuld, die unbefleckte Empfängis Marias und die Reinheit. Meist sehen wir die Blüte in weiß, was die Aussage noch einmal verstärkt, denn wir kennen auch heute noch weiß als Farbe der Unschuld und Reinheit. Aus diesem Grunde trugen die Bräute bei ihrer Hochzeit ein weißes Kleid und einen Kranz aus weißen Orangenblüten. Heute hat sich da einiges verändert, aber wir kennen uns mit Symbolen ja auch kaum noch aus.

Auf Altarbildern und Gemälden, die Maria bei der Verkündigung oder mit dem Jesuskind darstellen, sehen wir die Lilie, neben anderen, am häufigsten. Die Botschaft war damals auch demjenigen verständlich, der nicht lesen und schreiben konnte:  hier sieht er die Jungfrau, die von einem Engel die Botschaft über ihre Schwangerschaft erfährt (Verkündigung) bzw. er wird darauf hingewiesen, dass die dargestellte Frau Gottes Sohn geboren hat und beide rein, unschuldig und Gott zugewandt sind…

Auch auf Portraitdarstellungen junger Mädchen kann man die Blume gelegentlich entdecken.

In der Stillebenmalerei ist die Lilie ebenfalls ein beliebtes Motiv. Wie ich bereits im Teil 1 zur Schwertlilie angeführt habe, ist bei diesen Bildern der Symbolgehalt stärker verschlüsselt bzw. nur bedingt gegeben.

Beispiele in der Kunst:

Hugo van der Goes: Portinari-Altar

Meister der Verkündigung von Ais: Verkündigung Mariens

Jan van Eyck: Verkündigung Mariens

Stefan Lochner: Madonna im Rosenhaag

Francesco di Giorgio: Krönung Mariens

Leonardo da Vinci: Verkündigung

Carlo Crivelli: Madonna mit der kleinen Kerze

Literaturquellen:

Rolf Toman (Hrsg.): “Die Kunst der italienischen Renaissance”,
Könemann, ISBN 3-8331-1040-6

Rolf Toman (Hrsg.): “Die Kunst der Gotik”,
Könemann, ISBN 3-8331-1038-4

Wikipedia

Die gezeigte Farbstiftzeichnung ist in meinem Buch

“Zeichnen Basics – Blumen und Blüten”
(OZ-Verlag)

erschienen.

Kleines P.S.:  Zur Abiturprüfung im Fach Kunst war es meine Aufgabe die Madonnenbilder im Laufe der Kunstgeschichte anhand der „Madonna im Rosenhaag“ von Lochner und der „Sixtinischen Madonna“ von Rafael zu vergleichen. Was für ein Fest für mich!

Gestern sprach ich kurz die Symbolik der Akelei an, die ich in einer Bleistiftzeichnung dargestellt hatte. Im Nachgang dieses Artikels fand ich es interessant, einige weitere Blumen und Blüten mit ihrer Symbolik zu zeigen, die uns heute zumeist verloren gegangen ist. In früheren Jahrhunderten konnten die Menschen die Bilder lesen wie ein Buch und erkannten neben den dargestellten Figuren auch die ganze Geschichte zu ihnen. Wichtig, da viele Menschen damals weder lesen und schreiben konnten.


Als erstes stelle ich die Iris, auch Schwertlilie genannt, vor.

"Blaue Schwertlilie" - Aquarell, (c) by Cordula Kerlikowski

„Blaue Schwertlilie“ – Aquarell auf Hahnemühle Bütten 300 g, rau (c) von Cordula Kerlikowski

Die Schwertlilie erinnert weitläufig an den Griff eines Schwertes, damals ein Alltagsgegenstand. Sie symbolisiert den durch die Waffe hervorgerufenen Schmerz, das Leid, auch die seelische Verletzung.

Darstellungen in der Kunst zu religiösen Themen, insbesondere mit Maria und dem Jesus-Knaben, verweisen hier bereits auf das Schicksal des Kindes.

Andere Quellen nennen den griechischen Namen Iris (Regenbogen) als Symbol für die Überbringung göttlicher Botschaften sowie für die Versöhnung. Auch in diesem Sinne sind die Gemälde lesbar…

In den niederländischen und flämischen Stilleben findet man die Schwertlilie oft. Hier kommt die Lesart auf den Kontext an: Wunsch des Auftraggebers im Sinne des religiösen Bezugs, Inhalt der Bildtitel oder rein dekorativer Charakter… Vor allem bei den Kartuschen- und Nischenbildern sind religiöse Verweise erkennbar…

Sollten Sie also wieder in einer Gemäldegalerie unterwegs sein – suchen Sie nach dieser Blüte!

Beispiele in der Kunst:

Goossen van der Weyden: „Madonna mit Kind“

Hugo van der Goos: „Anbetung des Kindes durch die Hirten“

Leonardo da Vinci: „Madonna in der Felsengrotte“

Literaturquellen:

Udo Becker: „Lexikon der Symbole“,
Herder spektrum, ISBN 3-451-04870-1

Rolf Toman (Hrsg.): „Die Kunst der italienischen Renaissance“,
Könemann, ISBN 3-8331-1040-6

Jochen Sander (Hrsg.) „Die Magie der Dinge – Stillebenmalerei 1500-1800“,
Städel Museum, Katalog zur Ausstellung 2008/2009

Wikipedia

Kaum eine Blume wird so oft auf Papier, Leinwand, Karton oder anderen Malgründen verewigt wie die Mohnblume. Es gibt sie in vielen Varianten – als Klatschmohn, Schlafmohn, Türkenmohn oder weitere Zierformen. Die Menge scheint fast unbegrenzt:

"Mohnblüte - Detailansicht", Foto (c) von Cordula Kerlikowski

„Mohnblüte – Detailansicht“, Foto (c) von Cordula Kerlikowski

"Mohnkapsel", Foto (c) von Cordula Kerlikowski

„Mohnkapsel“, Foto (c) von Cordula Kerlikowski

"Mohnknospe", Foto (c) von Cordula Kerlikowski

„Mohnknospe“, Foto (c) von Cordula Kerlikowski

Klatschmohn ist die in der freien Natur anzutreffende Wildform und aufgrund seiner einfachen Struktur leicht zu malen.

Die großblütigen Zuchtformen sind teilweise gefüllt, gefranst oder haben exotische Farben – so dass die Variationsmöglichkeiten schier endlos sind.

Nun ist also Mohnblumenzeit und man sollte die Zeit nutzen, um sich einen großen Fundus an Skizzen und  Fotos anzulegen.Dabei geht es weniger um perfekte Kompositionen als um das Festhalten der Charakteristika: wie sieht die Blüte von oben, von unten, von der Seite aus? Auch die Stadien des Wachsens und Vergehens von der Knospe bis zur verwelkten/vertrockneten Blüte und den Samenkapseln sollte man aufnehmen.  Oft und gern vergessen werden die Laubblätter – wahrscheinlich, weil sie keiner gerne malt mit den haarigen Oberflächen…. Farbskizzen runden die Bestandsaufnahme ab.

So entsteht eine Sammlung an Gedankenstützen, mit denen man auch im Winter tolle Bilder malen kann:

"Mohnblüte I" - Aquarell, (c) by Corfdula Kerlikowski

„Mohnblüte I“ – Aquarell, (c) by Cordula Kerlikowski

"Mohnblüte II" - Aquarell, (c) by Cordula Kerlikowski

„Mohnblüte II“ – Aquarell, (c) by Cordula Kerlikowski

Derartige Blumenarchive kann man sich übrigens für viele Pflanzen anlegen… Die Blütenzeit hat gerade erst begonnen -also: ans Werk!

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